“Pride,” il film del 2014 basato sulla storia vera degli attivisti gay di Londra nel 1984 che raccoglievano fondi per i minatori in sciopero in Galles, è un film quasi perfetto — non solo per il grande cuore e il messaggio serio di cooperazione tra culture diverse, ma arricchito da stelle del calibro di Imelda Staunton, Bill Nighy, Andrew Scott, Paddy Considine e Dominic West, oltre a giovani attori come George Mackay e Ben Schnetzer, che in seguito hanno raggiunto vette ben più alte. Ero preoccupato che una versione in musical potesse non arricchire la storia, ma nelle mani di Matthew Warchus, che diresse il film, “Pride” ora canta di nuovo con una compagine meno famosa (tranne Samuel Barnett nel ruolo di Jonathan) ma ben scelta.
Ho guardato il pubblico, per lo più di capigli grigi, al matinée del National Theatre, nella piccola casa Dorfman, e mi sono chiesto se avrebbero “capito” questa storia, ma poi ho capito che il 1984 è l’epoca in cui tutti eravamo giovani e lottavamo contro l’ingiustizia. Gli spettatori erano tutti dentro. Mark Ashton (John Lumsden), il leader della coalizione Lesbians and Gays Support the Miners, avrebbe oggi 65 anni se non fosse morto di AIDS nel 1987, poco dopo gli eventi di questa pièce. E Jonathan Blake (Barnett) era già stato diagnosticato HIV nel 1984 e miracolosamente è ancora vivo.
Questo spettacolo, con canzoni sia toccanti sia divertenti, è altrettanto commovente quanto il film. Integra abilmente l’urgenza immediata della comunità omosessuale con la crescente crisi dell’AIDS e la necessità di solidarietà con altri gruppi oppressi — contro cui i minatori certamente vivevano sotto il governo reazionario di Margaret Thatcher.
La solidarietà tra il movimento operaio e quello omosessuale non era insolita più di 40 anni fa, in un periodo in cui il nostro movimento non era professionalizzato e ben finanziato. La Coalizione di New York delle 50 organizzazioni per i diritti delle lesbiche e dei gay aveva diversi sindacati importanti tra i membri nella nostra campagna per far approvare la legge sui diritti omosessuali della città negli anni ’80 — e contava sul nostro sostegno quando scioperavano o avevano bisogno di aiuto per far approvare leggi pro-lavoro.
Con recensioni entusiastiche, “Pride” merita un trasferimento nel West End e a Broadway, anche se non ci sono piani immediati in tal senso. Potrebbe rivelarsi ancora più prezioso come presenza fissa del teatro regionale in parti dei nostri paesi colpite duramente dai tagli e dall’avidità delle grandi aziende.
Nota a piè di pagina: quando il consiglio comunale di Durham, nel Regno Unito, guidato dal partito di destra “Reform” di Nigel Farage, ha recentemente tagliato i fondi per la parata LGBTQ Pride locale, i sindacati dei minatori hanno provveduto al finanziamento — un’alleanza che dura da oltre 40 anni.
(Il National Theatre ha anche allestito una mostra di fotografie storiche LGBTQ, “Queer Britain”, in prestito dal piccolo museo omonimo. Gratuita al secondo piano del Lyttleton Theatre fino a settembre.)
Quell’amico di lunga data, “War Horse”, torna in scena al National’s Olivier Theatre quasi 20 anni dopo aver riscosso un successo improbabile a Londra e a New York. Diretto da Marianne Elliott e Tom Morris — un adattamento del romanzo di Michael Morpurgo di Nick Stafford, con cavalli resi vivi in modo vivido dalla Handspring Puppet Company — questa storia di cavalli nella prima guerra mondiale non ha perso la sua capacità di commuovere.
Il cuore emotivo della storia è l’amore del giovane Albert Narracott (Tom Sturridge) per un puledro di nome Joey, che nutre e accudisce fino a vederlo arruolarsi nell’esercito per poi temere la sua sorte, venduto dal padre maltrattante. Albert si arruola e promette di riportare Joey a casa, e da lì nasce la storia.
Steven Spielberg ne fece un film dignitoso nel 2011, ma nulla eguaglia la magia teatrale creata da questo eccellente ensemble, soprattutto dai burattinai. Riempiono il Olivier Theatre di cuore. (In scena fino al 30 luglio.)
Sandra Oh brilla (e impreca e continua a recitare) nel ruolo principale di “The Misanthrope” di Martin Crimp, tratto da Molière, al Lyttleton Theatre del National. È una romanziera implacabile, controversa e premiata di nome Alice — grossolanamente ispirata al ruolo di Alceste che Molière interpretò nel suo dramma del XVII secolo.
Mentre Alice si presenta come una persona che sostiene standard di gusto e onestà contro un mondo di burloni, non c’è molto da ammirare in lei mentre redarguisce il suo migliore amico gay John (Paul Chahidi) solo per cercare di essere cortese con una donna che non ricorda e che la sta lodando.
Diretto da Indhu Rubasingham, la direttrice artistica del National, c’è abbondante umorismo nel prendere in giro le abitudini della classe artistica, ma non c’è davvero nessuno per cui fare il tifo. Molière mise la sua vita nelle proprie mani satirizzando gli aristocratici del suo tempo in un’epoca in cui andare troppo oltre poteva facilmente portare alla pena di morte o almeno al disastro finanziario. Le poste in gioco non sono più così alte, per quanto le ipocrisie odierne necessitino di essere pungolate. (In scena fino all’1 agosto e in partenza nelle sale statunitensi tramite NT Live
Simon Stone attinge a tempi molto antichi (IV-V secolo a.C.) per il materiale della sua nuova versione di “L’Oreste” (dopo Eschilo e “altri”) al Bridge Theatre (fino al 19 settembre). È interpretata da due dei miei attori preferiti — Mary-Louise Parker nel ruolo di Montie e David Morrissey nel ruolo di suo marito Christopher — molto liberamente modellati su Clitennestra e Agamennone in un contesto familiare di ceto medio-alto, visto praticamente tutto dietro vetro (la casa moderna ruotante di Lizzie Chalcan in campagna).
Questa scelta di presentazione mette questa storia di tradimento familiare a distanza dal pubblico in un genere — il teatro dal vivo — che dovrebbe catapultarci in prima classe. Non si può rimproverare l’interpretazione dei protagonisti o del resto del cast, ma ancora una volta non c’è nessuno per cui tifare. Si tratta quasi interamente di persone incredibilmente brutte l’uno con l’altro. I corpi si accumulano mentre la sete di vendetta si soddisfa, ma mentre Eschilo scriveva di figure mitiche, le figure di Stone sono terrene e hanno piedi di argilla.
Questa produzione ha raccolto alcune recensioni a cinque stelle e il pubblico della serata di apertura ha riso di gusto alle offese (specialmente da Montie), ma è qualcuno stato commosso da questo gruppo intergenerazionale di assassini?
ANDATO MA NON DIMENTICATO
Alexander Zeldin è il maestro nel mantenere l’attenzione del pubblico su persone dimenticate e nel trovare il dramma nella vita quieta della disperazione. L’ha fatto con “Love” per i richiedenti asilo e ora al Young Vic con “Care” per gli anziani nelle case di riposo, guidato da una Linda Bassett trascendentale (“Call the Midwife”), portandola dall’ansiosa nuova ammissione a ciò che è la fine per quasi tutti coloro che sono in cura. È supportata da un cast di supporto che offre performance poignant. (Parlo come qualcuno che è stato visitatore regolare di amici e cari in queste case per mezzo secolo.) Le infermiere (Llewella Gideon e Aoife Gaston) sono ritratte con tutta la loro compassione e stanchezza. Eppure l’effetto complessivo è edificante. St. Ann’s Warehouse a Brooklyn ha accolto “Love.” Speriamo accolgano anche “Care.”
La nuova “Grace Pervades” di David Hare (chiusa da poco al Theatre Royal Haymarket) ha visto come protagonisti del XIX secolo Ralph Fiennes e Miranda Raison nei ruoli di Henry Irving ed Ellen Terry. È una meditazione illuminante sull’arte dell’interpretazione, una professione che questi due hanno innalzato enormemente in dignità — soffrendo molto nel processo. Potrebbe essere “troppo inglese” per un trasferimento a New York, ma se Fiennes volesse continuare, allora potrebbe accadere.
Il Open Air Theatre di Regent’s Park ha inaugurato “Sogno di una notte di mezza estate” nella sua seconda stagione nel 1933 — uno spettacolo che si presta a essere messo in scena sotto le stelle e tra gli alberi secolari che oscillano al vento. Dovrebbe essere facile renderlo magico, ma questa produzione, diretta da Artri Banarjee, perde molta della polvere delle fate con un set di compensato grezzo privo di fantasia, marchiato “THIS GREEN PLOT” in un fallito tentativo di humour. Ha proposto alcune innovazioni interessanti: l’attore sordo Nadeem Islam era un Puck energico, coinvolgente e vivace e la tras transgender Molly Malone interpretava l’Helena desolata (finché non lo è più). Ma mentre i meccanici rozzi possono e devono essere ammorbiditi e recitati in modo sobrio, rappresentare il Duca di Atene e la Regina delle Amazzoni — senza dimenticare il Re e la Regina delle Fate — in abiti moderni toglie allo spettacolo gran parte del suo incanto.
Pur essendo fan del King’s Head Theatre di Islington, famoso per i suoi spettacoli a tema LGBTQ, ho resistito a “Here Comes J. Edgar! A Comedy Musical” (fino al 16 agosto) perché è stato scritto da non omosessuali come Harry Shearer (“The Simpsons”) e Tom Leopold (“Seinfeld”), temendo che fosse una lunga battuta sul famigerato Direttore dell’FBI omosessuale e sul ricorrere di stereotipi.
L’ho visto dopo che ha ottenuto recensioni di quattro stelle, ma molti dei miei timori sono stati confermati. Bryan Batt, gay dichiarato (una stella di “Mad Men”) interpreta Hoover e lo fa molto bene come cantante e ballerino — come il resto dell’ensemble, in particolare Hugo Bolton nel ruolo dell’alter ego di Hoover, Clyde Tolson, e la sua segretaria, Helen (Laura Medforth). Ma l’interpretazione di Batt non somiglia per niente all’Hoover ruvido e taciturno. (Continuavo a pensare che sarebbe stato divertente se fosse stato interpretato da qualcuno come un giovane Robert Duvall, un vero conservatore aggressivo.)
Il pubblico è stato facilmente divertito e ha riso di gusto alle epiche disavventure mentre lo spettacolo attraversa la vita, la carriera e i numerosi peccati di Hoover, sebbene vengano prese alcune battute. Sì, mostra come ricattasse i Presidenti (FDR, Ike, JFK e LBJ sono presenti) e altri per mantenere il potere in perpetuo e come cercò di distruggere Martin Luther King Jr. con registrazioni delle imprese sessuali di King. Ma nello spirito di mantenere le cose leggere, non ci viene mai presentata la profonda bruttezza del razzismo di Hoover — come il suo soprannome per Dr. King (“Martin Lucifer Coon”).
C’è risonanza qui con il nostro attuale regime fascista nelle repressività di Hoover contro il dissenso — soprattutto i comunisti — e l’affetto per i caporali della malavita. La sua collaborazione con il columnist di destra e personaggio radio Walter Winchell (Marc Elliott che è azzeccato) è ben fatta.
Ma lo spettacolo concede piena credenza a un aspetto controverso della sessualità di Hoover — l’affermazione di Susan Rosenstiel che lo vide in drag e si chiamò “Mary” a una festa privata in una stanza del Plaza Hotel nel 1958. Per quanto succosa sia la storia, lei è l’unica fonte e notoriamente inaffidabile. Ma il grande numero di J. Edgar sull’attrazione per il travestimento è presente qui. E per quanto io detesti tutto ciò che Hoover rappresentava, la sua possibile preferenza per l’abbigliamento femminile sarebbe una redenzione che non merita.
Mi piacerebbe vedere cosa potrebbe fare Cole Escola con questa storia — o con qualsiasi storia, a dire il vero.
PROSSIMI APPUNTAMENTI DA NOTARE NEL WEST END:
- Allo National Theatre: Cate Blanchett in “Electra/Persona” al Lyttleton, 19 agosto – 10 ottobre. “The Story” di Tracey Scott Wilson all’Olivier, 27 agosto – 24 ottobre. Anne-Marie Duff in “Some Woman” al Dorfman, 7 ottobre – 21 novembre. “Cloud 9” di Caryl Churchill al Lyttleton, 2 novembre – 13 gennaio. E lo spettacolo natalizio all’Olivier è “The Jungle Book”, diretto da Indhu Rubasingham, 13 novembre – 6 febbraio. Maggiori info su nationaltheatre.co.uk e controlla quali produzioni, passate e presenti, saranno proiettate nelle sale cinematografiche mondiali su netlive.com.
- Sophie Okonedo in “A Month in the Country” di Brian Friel tratto da Ivan Turgenev al Donmar Warehouse, 22 agosto – 3 ottobre.
- Christine Baranski e Richard E. Grant in Noël Coward’s “Hay Fever” al Wyndham’s, 22 settembre – 12 dicembre.
- Kristin Scott Thomas e Stephen Mangan in Chekhov’s “The Cherry Orchard” adattato da Conor McPherson e diretto da Ian Rickson.
- Billy Crudup e Gillian Anderson in Albee’s “Who’s Afraid of Virginia Woolf” al Soho Place dal 14 ottobre al 19 dicembre.
- Due al Young Vic: un nuovo musical di “Thelma e Louise”, dal 3 settembre al 24 ottobre e “Eurotrash” con Ben Whishaw, dal 13 novembre al 9 gennaio.
Per ulteriori elenchi, vai a londontheatre.co.uk
MUSEI E SITI STORICI:
La massiccia mostra della National Portrait Gallery, “Marilyn Monroe: Un Ritratto”, è in programma fino al 6 settembre ed è davvero degna del prezzo del biglietto. È stata fotografata dai grandi maestri, da Cecil Beaton e Eve Arnold a Alfred Eisenstaedt e Richard Avedon — tutti ben rappresentati qui e resi ancor più iconici da artisti come Andy Warhol dopo la sua morte. La sua immagine è stata onnipresente fin dalla metà del XX secolo, ma questa mostra contestualizza la sua storia nella sua vita turbolenta da modella, dea del cinema e attrice che lotta per essere presa sul serio e, come è evidente, ci è riuscita.
La Tate Britain ha allestito “James McNeill Whistler”, la mostra più ampia delle sue opere in Europa negli ultimi 30 anni. Era nato in Massachusetts nel 1834 e cresciuto a San Pietroburgo, in Russia, dove suo padre supervisionò la costruzione della prima ferrovia del paese per lo zar Nicola I, per poi tornare negli Stati Uniti alla morte del padre e iscriversi a West Point, dove fu radiato da nessun meno che dal Colonnello Robert E. Lee per troppi demeriti. Ma la sua devozione al disegno e all’arte era già ben consolidata; è l’arte — “per l’arte stessa”, direbbe — che perseguiu attraverso alti e bassi vivendo in tutta Europa, compresa Francia, Inghilterra e Paesi Bassi, creando dipinti iconici (come la Madre di Whistler o, formalmente, “Arrangement in Grey and Black, No. 1”) e coltivando un’immagine di sé audace con autoritratti.
Molti dei suoi dipinti “notturni” sono presentati qui. Mise alla prova i limiti di come la natura potesse essere rappresentata nell’arte. “La natura è molto raramente giusta,” dichiarò una volta, “e di solito sbaglia.” Trovò bellezza nel modo in cui l’artista può trasformarla. “Raramente la natura riesce a produrre un dipinto.” Fece amicizia con Oscar Wilde — e in seguito ebbe uno screzio con lui su come percepivano l’arte l’uno dell’altro. (Una delle sue controverse conferenze tardive sull’arte è presentata in un breve video dall’attore Anton Lesser.)
Ho effettuato la mia prima visita a Kensington Palace, attuale domicilio del Principe William e della Principessa Catherine e precedente dimora del Principe Charles e della Principessa Diana — e ho visitato le stanze (piene di grande arte) dove hanno abitato il re Guglielmo III e la regina Maria II, il re Giorgio II e la regina Caroline, e la regina Anna e dove nacque e crebbe la regina Vittoria. Ma è in corso una mostra speciale su “Le Ultime Principesse del Punjab,” centrata su Sophia Duleep Singh (1876-1948) la cui padre perse l’Impero Sikh (con la East India Co.) e che divenne una figlioccia di Victoria, godendo del suo patrocinio — ed era una grande suffragetta. Sua sorella, la principessa Catherine, fu anch’essa una suffragetta che visse la propria vita adulta con Lina Schäfer, una cittadina tedesca. È una storia affascinante e trascurata di colonialismo, femminismo e, come emerge, omosessualità all’inizio del XX secolo. Straordinario incontrarla in un palazzo britannico.
